Victoria Charles

Klaus Carl

Long thought of as the neglected stepchild of painting, the art of drawing has recently begun to enjoy a place in the sun. With major museums around the world, from the Met to the Uffizi, mounting exhibitions focused on the art of draughtsmanship, drawing is receiving more critical and academic attention than ever before. This captivating text gives readers a sweeping analysis of the history of drawing, from Renaissance greats like Leonardo da Vinci and Michelangelo, to Modernist masters like M.C. Escher, Pablo Picasso, and everyone in between.

1000 Drawings of Genius

« Je peins ce que je vois et non ce qu’il plaît aux autres de voir. » D’autres mots que ceux d’Édouard Manet, à la touche pourtant si différente de celle de Monet ou de Renoir, pourraient-ils mieux définir ce que fut l’Impressionnisme ? Sans doute cette singularité explique-t-elle que, peu de temps avant sa mort, Claude Monet écrivit : « Je reste désolé d’avoir été la cause du nom donné à un groupe dont la plupart n’avait rien d’impressionniste. » Nathalia Brodskaïa dégage ici les contradictions de cette fin du XIXe siècle à travers le paradoxe d’un groupe qui, tout en formant un ensemble cohérent, favorisa l’affirmation des individualités artistiques. Entre l’art académique et le commencement de la peinture moderne non figurative, le chemin pour parvenir à la reconnaissance fut long. Après avoir analysé les éléments fondateurs du mouvement, l’auteur poursuit son étude à travers l’Œuvre de chacun des artistes et démontre comment, de cette revendication à la différence, naquit la peinture moderne.

L'Impressionnisme

伦勃朗

Rembrandt

El volumen de Mega Square Herbario está basado en la obra de Basilius Besler, el famoso experto en plantas que, por primera vez en la historia, describió, pintó y grabó más de mil especies de plantas. Sus dibujos son de gran valor tanto científico como artístico y constituyen un vívido testimonio de la ecléctica flora europea. Esta edición de Mega Square, que presenta un tema interesante y original en un formato compacto y práctico, constituye un regalo perfecto.

Herbario

Mega Square Shoes focuses on the history of the shoe and elevates the shoe to the rank of a work of art. The author is a leading expert on the subject and curator of France‘s Shoe Museum, which holds the greatest shoe collection in the world, with 12,000 specimens.

Shoes

Pieter Bruegel, l'Ancien (près de Breda, 1525 – Bruxelles, 1569) Pieter Bruegel fut le premier membre important d'une famille d'artistes, actifs durant quatre générations. D'abord dessinateur avant de devenir peintre, il peignit des thèmes religieux, comme la Tour de Babel, avec des couleurs extrêmement vives. Influencé par Jérôme Bosch, il s'attela à de vastes scènes complexes décrivant la vie paysanne et des allégories bibliques ou spirituelles, souvent peuplées de sujets plongés dans des actions très variées. Pourtant, ces scènes ont en commun une intégrité informelle et un certain humour. A travers son oeuvre, il introduisit un nouvel esprit d'humanité. Ami des humanistes, Bruegel composa de véritables paysages philosophiques au coeur desquels l'Homme accepte passivement son destin, prisonnier du temps qui passe.

Pieter Bruegel

According to the defined canons of art technique, a portrait should be, above all, a faithful representation of its model. However, this gallery of 1000 portraits illustrates how the genre has been transformed throughout history, and has proven itself to be much more complex than a simple imitation of reality. Beyond exhibiting the skill of the artist, the portrait must surpass the task of imitation, as just and precise as it may be, to translate both the intention of the artist as well as that of its patron, without betraying eitherÊs wishes. Therefore, these silent witnesses, carefully selected in these pages, reveal more than faces of historic figures or anonymous subjects: they reveal a psychology more than an identity, illustrate an allegory, serve as political and religious propaganda, and embody the customs of their epochs. With its impressive number of masterpieces, biographies, and commentaries on works, this book presents and analyses different portraits, consequently exposing to the reader, and to any art lover, a reflection of the evolution of society, and above all the upheavals of a genre that, over 300 centuries of painting, has shaped the history of art.

1000 Portraits of Genius

Hans Holbein le Jeune (Augsburg, 1497 – Londres, 1543) Le génie de Holbein s'épanouit très tôt. Sa ville natale d'Augsburg était alors à son zénith. Située sur le grand axe reliant l'Italie au nord de l'Europe, c'était la ville commerçante la plus riche d'Allemagne, une halte fréquente pour l'empereur Maximilien. Son père, Hans Holbein l'Ancien, était lui-même un peintre de mérite, et le prit dans son atelier. En 1515, à l'âge de dix-huit ans, Holbein s'installa à Bâle, le centre du savoir, dont la fierté reposait sur le fait que chaque maison recelait au moins un érudit. Envoyé à Londres avec une lettre d'introduction pour Sir Thomas More, le chancelier du roi, «Master Haunce », ainsi que l'appelaient les Anglais, arriva à peu près au moment du blocus de 1526. Holbein fut bien accueilli et s'installa, dès sa première visite, en Angleterre. Il peignit des portraits de nombreux hommes influents de l'époque, et réalisa des dessins pour un tableau de la famille de son bienfaiteur. Il devint bientôt le célèbre portraitiste de la Renaissance nordique au service des figures contemporaines. De façon tout à fait typique, son travail incluait d'étonnants détails comme des reflets naturels à travers le verre ou la trame enchevêtrée des élégantes tapisseries. En 1531, Holbein retourna en Angleterre. Mais là aussi, les choses avaient changé. En 1536, remarqué par Henry VIII, Holbein devient le peintre officiel de la cour, position qu'il conservera jusqu'à sa mort.

Hans Holbein

Die Wiener Secession, gegründet von Gustav Klimt, Carl Moll und Josef Hoffmann, war ein Wegbereiter für die moderne Kunst. Zwanzig Künstler rebellierten gegen den erdrückenden Einfluss des konservativen Künstlerhauses auf die Wiener Kunstszene, gegen die veraltete Kunst einer Epoche und gegen die Mentalität des Kaiserreichs Österreich-Ungarn im Allgemeinen. Als Erben des Art Nouveau waren diese Künstler nicht einfach um ihre eigene Kunstnische bemüht, sondern strebten nach der Verwirklichung eines „Gesamtkunstwerks“, einem umfassenden Kunstbegriff, der Kunsthandwerk, bildende Kunst und Architektur vereinen sollte. Der Kampf der Secession repräsentierte gleichzeitig den Kampf vieler Kunsthandwerker, Architekten und Gestalter dieser Epoche, der Bevölkerung ein neues Kunstverständnis nahezubringen. Die Künstler der Secession kehrten der etablierten Kunst den Rücken, um mit neuen dekorativen Formen und Ideen zu experimentieren und sich für eine sinnträchtige, erotische Ästhetik zu öffnen – ein Weg, der sie auf Kollisionskurs mit dem gutbürgerlichen Empfinden der gehobenen Wiener Gesellschaft brachte. Dieser Bildband eröffnet dem Leser die Vielfalt und die Bildgewaltigkeit einer revolutionären Kunstbewegung, deren Motto „Der Zeit ihre Kunst. Der Kunst ihre Freiheit“ ein Ausdruck eines neuen, innovativen Kunstverständnisses ist, das sich allumfassend in der Malerei, Bildhauerei und Architektur dieser Gruppe widerspiegelt.

Wiener Secession

Donald Wigal

Joseph Manca

Megan McShane

O adevarata calatorie prin timp si spatiu, prin arta si istorie, un ghid splendid ilustrat care va ofera o viziune globala a evolutiei picturii.

30 de milenii de pictura

Art Deco style was established on the ashes of a disappeared world, the one from before the First World War, and on the foundation stone of a world yet to become, opened to the most undisclosed promises. Forgetting herself in the whirl of Jazz Age and the euphoria of the “Années Folles”, the Garçonne with her linear shape reflects the architectural style of Art Deco: to the rounded curves succeed the simple and plain androgynous straight line... Architecture, painting, furniture and sculpture, dissected by the author, proclaim the druthers for sharp lines and broken angles. Although ephemeral, this movement keeps on influencing contemporary design.

Art Deco

“No me intereso en mí mismo como tema de una pintura, sino en los demás... en especial en las mujeres...” Hermosas, sensuales y, sobre todo, eróticas, las pinturas de Gustav Klimt hablan de un mundo de opulencia y placer que parece estar a miles de años luz de distancia del rudo entorno posmoderno en el que vivimos ahora. Los temas que trata, alegorías, retratos, paisajes y figuras eróticas, no contienen prácticamente ninguna referencia a eventos externos, sino que tratan de crear un mundo en el que la belleza predomina sobre todo lo demás. El uso que hace del color y los patrones está profundamente influenciado por el arte japonés, el antiguo Egipto y Bizancio. Ravenna, la perspectiva plana y bidimensional de sus pinturas y la calidad con frecuencia estilizada de sus imágenes dan forma a una obra imbuida de una profunda sensualidad y en la que la figura femenina es soberana. Las primeras obras de Klimt le hicieron alcanzar el éxito a una edad muy temprana. Gustav nació en 1862 y consiguió una beca del estado para estudiar en la Kunstgewerbeschule (escuela de artes y oficios de Viena) a la edad de catorce años. Su talento como dibujante y pintor quedó de manifiesto muy pronto y en 1879 formó la Künstlercompagnie (Compañía de artistas) con su hermano Ernst y otro estudiante, Franz Matsch. La segunda mitad del siglo XIX fue un periodo de gran actividad en la arquitectura en Viena. En 1857, el emperador Francisco José había ordenado la destrucción de las fortificaciones que solían rodear el centro de la ciudad medieval. El resultado fue la Ringstrasse, un nuevo y floreciente distrito con magníficos edificios y hermosos parque, todo pagado por el erario público. Por lo tanto, el joven Klimt y sus asociados tuvieron muchas oportunidades de mostrar su talento, y recibieron comisiones para las decoraciones de la celebración de las bodas de plata del emperador Francisco José y la emperatriz Elisabeth. En 1894, Matsch se marchó del estudio comunal y en 1897, Klimt, junto con sus amigos más cercanos, renunciaron a la Künstlerhausgenossenschaft (Sociedad cooperativa de artistas austriacos) para formar un nuevo movimiento llamado la Secesión, del cual fue electo presidente de manera inmediata. La Secesión fue un gran éxito y en 1898 presentó no una, sino dos exposiciones. El movimiento logró ganar el suficiente dinero para comisionar su propio edificio, diseñado por el arquitecto Joseph Maria Olbrich. Sobre la entrada estaba escrito su lema: “A cada era su arte; al arte, su libertad”. Más o menos a partir de 1897, Klimt pasó casi todos los veranos en Attersee, con la familia Flöge. Fueron periodos de paz y tranquilidad en los que produjo paisajes que constituyeron casi un cuarto de la totalidad de su obra. Klimt realizó bocetos de prácticamente todo lo que hacía. En ocasiones realizaba más de cien dibujos para una pintura, cada uno con un detalle distinto, un traje, una joya o un simple gesto. La calidad excepcional de Gustav Klimt se refleja en el hecho de que no tuvo predecesores ni verdaderos seguidores. Admiró a Rodin y a Whistler sin copiarlos servilmente, y a su vez recibió la admiración de los pintores vieneses más jóvenes, como Egon Schiele y Oskar Kokoschka, cuya obra muestra una gran influencia de Klimt.

Klimt

A symbol of modernity, the Viennese Secession was defined by the rebellion of twenty artists who were against the conservative Vienna Künstlerhaus' oppressive influence over the city, the epoch, and the whole Austro-Hungarian Empire. Influenced by Art Nouveau, this movement (created in 1897 by Gustav Klimt, Carl Moll, and Josef Hoffmann) was not an anonymous artistic revolution. Defining itself as a “total art”, without any political or commercial constraint, the Viennese Secession represented the ideological turmoil that affected craftsmen, architects, graphic artists, and designers from this period. Turning away from an established art and immersing themselves in organic, voluptuous, and decorative shapes, these artists opened themselves to an evocative, erotic aesthetic that blatantly offended the bourgeoisie of the time. Painting, sculpture, and architecture are addressed by the authors and highlight the diversity and richness of a movement whose motto proclaimed “for each time its art, for each art its liberty” – a declaration to the innovation and originality of this revolutionary art movement.

Klaus Carl

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